2023年9月21日，於北藝大音樂與影像跨域學士學位學程。
對於剛剛添了30名大一新血的MIT學程而言，本日是112學年的第一堂正式專題講座課程，也算是一場揭開新序幕的盛事。
本日的專題講座除聚光在講者——「原聲X電子X爵士 鋼琴家&製作人」許郁瑛老師身上，更以她不久前製作發行的黑膠專輯in the cave與其跨域製作演出為焦點主題。身為混音師與製作人之一的程杰老師本日由於確診而遺憾缺席，但郁瑛老師及偉中老師仍懷抱十足的熱情準時帶來開場。「這一切如果單純用說的會需要八堂課。」偉中老師如此笑道，接著兩位老師為大家播放了in the cave的創作過程紀錄片。
一、山洞裡的學者
影片中的郁瑛老師表示，和音樂的對話對她來說十分自在。
近年的她想要在音樂中做出突破、加入電子元素，而起因是她兩位擅長合成器電子音樂的好友：程杰老師與偉中老師。兩位曾經都是學校最厲害的樂手，常常在一起進行jam seeision。程杰老師表示，之所以會走上這條路，是因為有許多爵士音樂家都是合成器領域的大師，使他也想要做出那些音色。
「玩樂器的重點是會不會對它上癮，想要理解它、掌控它更多。」
不過，他們覺得兩人終究有所極限，加入一位真正的鋼琴家，產生”organic”有機的音樂，才能再將作品推動到一個新境界。身為好友，他們希望郁瑛老師可以理解電子音樂的世界，並為此盡量簡化系統設計，致力讓她不需要說明書就能直接運用這些音色開始草擬她的作品。
在初接觸合成器音樂的時候，郁瑛老師很容易被聲音的轉變吸引，因電子樂能發出許多鋼琴做不到的聲音而對其產生好感。「我時常躲在自己的小空間創作或練習，感覺就像老鷹在山洞裡閉關——in the cave. 」剛開始她也時常不能理解各種專有名詞，夥伴們就讓她不斷試驗，使她能夠親身體會記憶。後來她逐漸開始理解用質地、Plug in、軟體音源等等去做變化，跳脫鋼琴的思考模式。夥伴會嘗試讓她挖得更深、從技術面去了解並反覆練習，從中獲得樂趣。
二、作品的誕生
當一切都逐漸上軌道後，心靈共通的他們決定一起做一張專輯。由於設置和構想非常有野心，幾個人必須各司其職克服各式各樣的難題。
「我期待的合作不是某個人已經設想好後讓大家幫忙完成。我們三人各自用嘗試個人的方式做音樂，過程中一直碰撞、激盪出火花，也因此創作出不一樣的東西。在不斷琢磨過後，直到最後聽起來都還是像在一個有機的生長中狀態。」
關於其中的真實樂器，除了以郁瑛老師的鋼琴為主，還加上音色優美的豎笛。和從前的經驗最不同的挑戰是，她在作曲時必須考慮Midi音色和現場演奏的差異，再將現場的舞台設計等等全都考慮進去。「究竟怎麼樣寫譜，才能呈現出我心裡想的聲音？我一直在思考這個問題而努力。」
而程杰老師也碰到遇到許多值得深思的難題。
「爵士音樂的資訊量本來就很大，而電子音樂要讓機器說話，所以製作過程必須更加放慢。」
「和真實樂器不同，電子樂器通常不是在真實空間裡發聲的，而我想幫它們加入空間的聲響。所以必須將它們之間的關係處理得美輪美奐，不會遮蔽到彼此卻又互有碰撞，不應該只是普通的漂亮乾淨。」
並且他在編曲時，努力想說服郁瑛老師理解「必須讓很多東西縮短並變得快狠準、使音樂有接連地往下走的感覺」的道理。對郁瑛老師而言，要接受這個想法需要花不少時間。「對我來說樂曲的發展應該是連貫的，不能被斷章取義。但是，放著一陣子之後再聽、多聽、反覆聽，似乎也就慢慢能理解為什麼這樣選擇。」
「很多事情就像一個開關，一旦開關打開了就忽然全都能接受了。只是這是需要時間沉澱的。」在合作過程中，幾位老師都在努力讓自己的心態洗滌得更客觀。他們認為，重點是相信音樂帶來的感受，而不是自己辯證或思考去主觀地得出答案。
除此之外，無論事前準備得如何縝密、深入考慮了全方位的理論和物理條件，真到了現場都可能因為各種因素而出現意料之外的情況。比如台下的聲響效果很好、台上的監聽卻很糊，而他們想要找個兩全其美的甜蜜點，讓舞台上也能聽到直接的電子聲音。
「必須不斷衡量停損點在哪。我們知道簡單的方案在哪裡，什麼嘗試都很好，但力氣和時間有限，必須有所取捨。」到了緊要關頭，就連設In out put、patch bay都像拆解炸彈一樣緊張。「人類跟時間賽跑怎麼可能贏呢？但我們就是贏了，樂觀是我們唯一的優點。」郁瑛老師面帶驕傲地這麼說。「我很信任我的夥伴。他們都是鑽研東西很深入的人，能夠敏銳地察覺危機並使危機不發生。」她認為，這令人懷念的兩年一直有著新的學習和挑戰。「至今我還沒達到夥伴的要求，也不知道他們是用什麼心態陪著我成長，我非常感謝他們。當這樣的感受出現時，應該就是所謂的成長吧。」
三、現場演奏與QA
最後影片播到了準備表演的高潮片段，兩位老師在黑暗中走上台坐到各自的樂器和設備前，無縫銜接地開始現場演奏，而逐漸亮起的燈光也隨之照耀在他們身上。那一刻現場宛如世界線交錯，氣氛莊嚴神秘，宛如神蹟發生一般。電子音樂與古典樂器絕妙而奇異的結合讓所有人都不禁屏息。
一曲落幕，如雷的掌聲過後是QA時間。
Q1：「透過影片能看到您很少使用軟體的合成器和效果器，有什麼特別原因嗎？」
偉中老師：「原因很簡單：比較好玩。電腦的最大問題就是太強了，隨手做出很複雜的東西大家也不會有感，但一用鋼琴演奏就會發現問題。況且軟體沒有物理反饋。對我來說，演奏就是要有真實的樂器或工具，這是物理世界才有的。在實在無法使用物理互動的情況下，最後才會退而求其次選擇數位。」
Q2：「請問對兩位老師來說，在音響或音樂上突破的定義是什麼？比如爵士剛興起的時候給人新時代的感覺，不曉得現代是否有辦法也做出這樣的突破？」
偉中老師：「舉例來說，約翰.凱基的實驗音樂的關鍵點就是做的時候不知道結果。有時，我們想聽見一些東西卻沒有樣本，這種時候就是出手挑戰的時機。所謂的創作如同浮雲，你以為很厲害的小東西其實可能多年前就有人做過了。但這些東西擺在一起會有什麼？重點是自己的好奇心，想找到超有趣的東西、成為自己的新創作的第一位聽眾才是最重要的，至於其他人怎麼想其實不那麼重要。」
郁瑛老師：「以我親身經歷說的話……比如，一開始學那些效果器時我受到很大的衝擊震撼，畢竟原本的鋼琴只能彈出普通的單音，而透過delay之類的效果可以讓音色變得完全不同。但你要說所謂的時代性突破，其實必須等到未來才能定義。」
偉中老師：「應該說，當你的創作是以突破為目標時就沒有感覺了，很容易變成半吊子。況且，就算真的做別人做過的事又怎麼樣？你還是有可能做得超厲害啊。突破應該是剛好發生的好事，而不是唯一動力。出發點應該是對於不同聲音的熱情和好奇，只要夠有熱忱和喜愛的話，它們就會帶著人往前走。」
Q3：「可以問導演嗎？剛才的紀錄片非常好看，分鏡和節奏都讓人很喜歡，各種留白表現出了人物的情緒變化。想請問眾多的素材裡，導演是如何找到這個敘事方法的？」
導演老師：「最主要的是內在的呼應吧。各種節奏的搭配都是過去的訓練和經驗疊加至今累積起來的養分，心態要如同一張白紙，由內心出發，去了解其他人在說什麼。」
其實話語來往本身就有戲劇性的節奏存在，所以我想用與一般紀錄片不同的方式製作這部片。不使用常見的大量旁白解說，只在需要的少部分以旁白彌補文本。總之要抓到平衡，該如何不太多也不太少非常重要。」
Q4：「現在回頭看這個紀錄片有什麼不同的想法和感受？」
郁瑛老師：「我現在也還不知道啊。因為這個旅程根本還未停止，一直在延續著、同時進行很多事，只是這段剛好被記錄下來罷了。」
「對我來說，有deadline才會有創作。但創作本就是日常的長久累積，累積起來才能在必要的時刻爆發出來。」
偉中老師：「嗯，我認為創作可以持續的重點是在無聊中找樂子，要永遠都讓自己手上有有趣的事情。」
郁瑛老師：「最後，找到朋友也很重要。像我們都認識多年，讓我深刻體會到音樂路上一定要有好朋友互助，在精神和知識上都會有互相的啟發和幫助。希望在座的你們也可以。」
四、結語
至此，講座在高昂而熱鬧的氣氛中畫下句點，大家鬧鬧哄哄地進行了大合照。老師們從頭到尾都保持著幽默與親切，與我們沒有絲毫距離感。對於各式各樣的學習性問題，他們的態度謙虛而又不妄自菲薄，談吐間帶有多年積累帶來的堅定信念與信心。
以筆者個人而言，本日最大的收穫是能親眼看見古典鋼琴和電子音樂的現場結合。身為琴齡近十六年的音樂學子，我一直將鋼琴視為最親密的夥伴、熱愛它所展現的無限可能，但也偶爾會感嘆於它物理上的局限性。
沒想到現代的科技終於打破了這數百年來的限制，郁瑛老師在現場彈下的每個音聽起來都像有著魔力，使我的腦迴路一時之間甚至都不能立刻完全明白過來。
而合成器這個媒材的降臨對我們也恰是時候。MIT學程中剛剛開設第二屆合成器導論課程，以本屆大二同學為主，有著十分踴躍的修課率。身為初心者的大家對於合成器都還抱著強烈的好奇與未知，在見識過今天的講座後，想必獲得了更多躍躍欲試的探索熱情。
「聲音到底是什麼？我們還在尋找答案，我們永遠都在發展中。」郁瑛老師的這句話將會銘刻於此，在我們為了音樂與聲響而探險的漫漫長路上，一直陪伴著大家永保熱忱。